Pierre Soulages’ new building, Fabre museum, Montpellier, France © Hervé Abbadie

¿Siempre ha trabajado con la luz?

"En realidad estudié Artes Aplicadas, lo que me permitió introducirme en el entorno urbano.
Trabajé como artista unos años, haciendo esculturas, fuentes, murales.Las artes plásticas me pusieron en contacto con la arquitectura, que siempre me ha fascinado. Según evolucionaba, la luz se fue convirtiendo en uno de mis materiales, igual que el acero o la madera. Era un componente que incorporábamos a nuestra obra. Pero con los años, la luz fue ganando preferencias. Se hizo el material favorito, el elemento esencial de nuestros proyectos. Nuestro primer proyecto fue un depósito de agua, y creo que con algún tinte escultórico. Por casualidad me encontré con un concurso para un depósito de agua. Fui a ver a un amigo arquitecto y juntos desarrollamos un proyecto de luz. Ganamos el concurso y además nos dieron un premio del Ministerio de Cultura. Un depósito de agua normalmente se quiere oculto a la vista. Pero el hecho de diseñarlo con un arquitecto lo convertía en un objeto interesante. Por otra parte, despejarlo, podar los árboles de alrededor e iluminarlo lo hace mucho menos agobiante. Pasa a ser parte del espectáculo.”

Ha acometido varios proyectos de depósitos de agua en su carrera...

“Sí. Hemos completado al depósito de agua de Ploubazlanec, en el norte de Bretaña. Los depósitos de agua están siempre situados en puntos elevados de la ciudad y son visibles de una gran distancia. Además, éste estaba cerca del mar y yo quería hacer de él un punto de luz, así como un faro. También quería convertir la masa de hormigón del tanque en una masa de agua contenida. El movimiento de la luz era importante. El volumen de la luz se desplaza con el nivel de la marea.La luz crece con la marea; es casi como si el depósito respirara."

¿Utilizó el color?

“Sí. El diseño se basa en la idea de una enorme concha. Y yo quería el color de una perla. Cuando la luz alcanza su punto más intenso, es prácticamente blanca. Cuando baja el nivel, presenta un lustre rosa o amarillo. La luz llega gradualmente, igual que la marea. Me encanta sumergir edificios en la sombra para que la luz pueda salir a raudales. Es casi como si el edificio estuviese vigilando.”

Se encargó de buena parte del museo Fabre de Montpellier.

“Llevamos varios años trabajando en el museo. Y hace poco también emprendimos la iluminación exterior. Nos pidieron que trabajáramos en la fachada y en el nuevo acceso de Daniel Buren. La entrada la iluminamos canalizando un flujo de luz, como una alfombra de luz desenrollándose. La fachada propiamente dicha debía ser impactante. El museo no tiene una relación fácil con el entorno y queríamos recuperarlo.”

Y de nuevo utiliza el color.

“Para empezar dudaba si usarlo. Se trata de un edificio del siglo XVII y hay gente que no ve con buenos ojos el uso del color en estos casos. Y admitiré que no siempre estoy de acuerdo con la forma en que se usa el color en nuestras ciudades. Pero quiero ofrecer a la gente una imagen de noche diferente de la que ven de día. Inundar el edificio de color no es suficiente. Investigamos mucho con colores y mezclas, y en última instancia creamos un concepto tricolor con un blanco cálido que torna al ámbar.La secuencia es tan lenta que no se aprecia el cambio. Pero saben que es diferente. También añadimos proyectores arriba a la izquierda. La luz ha debido de cambiar la forma de ver la gente el edificio.”

¿Y sobre la iluminación del interior del museo?

“Creo que conviene recordar, en un museo, que uno no está interpretando las obras, sino proporcionando la luz para su visualización. Un museo más iluminado sólo atraerá un pequeño número de obras y unos cuantos visitantes. Los directores y coleccionistas de los museos no cederían sus obras de arte para exposiciones si no se respetaran las reglas básicas: buen nivel de iluminación, buena uniformidad, buena reproducción cromática.
En la sala de columnas, por ejemplo, el arquitecto tiene en cuenta la luz natural. Nosotros diseñamos una serie de relés para que la luz artificial se eleve cuando decaiga la natural. La sensación es de continuidad. Recortamos mucho la luz natural, pero uno sigue necesitando la sensación de luz natural.Y debe acometerse de modo que la iluminación nunca quede pobre.”

¿Pobre?

“Para mí, eso es cuando entras en una habitación y no te sientes bien.

Una iluminación rica, por el contrario, es envolvente, te hace sentir bien.

La gente no piensa en ello, sólo saben si se sienten bien o no. Mucho de lo que hacemos como diseñadores de iluminación depende del espacio que nos dan. Hay veces que tenemos que ser discretos y fusionarnos con el entorno.

Otras veces, sobre todo en iluminación de exterior, puedes ser más enérgico y crear una imagen más intensa en un acto creativo más intenso.

El color se está extendiendo, en gran parte gracias a las nuevas tecnologías. Sabemos que podremos hacer cosas imposibles en el pasado.

Nos movemos hacia una atmósfera más festiva en nuestras ciudades. El entorno de exterior es cada vez más un espacio compartido. Los planes urbanos habilitan más espacio para peatones y ciclistas.

Para mí la tendencia es hacia un espacio más compartido. Estamos optando por que la gente fluya y se reúna. ¿Quién querría irse a comer al campo por una autopista vacía? La iluminación allí es alta, estridente.
Nos movemos hacia la luz donde nos gustaría acampar, hablar. Vemos intimidad. Y la luz puede crear el ambiente. Ahora estamos trabajando en un proyecto en el que hay salones abiertos en la ciudad. La luz es esencial a la hora de crear la atmósfera apropiada. Porque es la luz la que puede hacerte sentir cómodo. Y la emoción suele estar vinculada al confort”.